请独立作答！马千里
进入电影的方式 《电影的读解》是一门关于电影的课程。但它并不是一门严密的、系统的关于电影艺术的概论，更不是一门电影美学课程，我更愿意把它看作是一门电影艺术的入门课程。称它为入门，一方面是作为主讲者的我还谈不上对电影艺术有很高深的研究，另一方面是作为听课者的大家也是初次接触。这门课将主要通过对电影的一些基本艺术问题的介绍，结合对具体作品的分析评价，来达到提高电影艺术欣赏水平的目的。希望能在这方面给大家一些印象，一些启发，使有兴趣者可以在这基础上进一步去发展自己和提高自己。 一、认识电影 进入当代社会以来，看电影已经成了一般人，特别是文科大学生的普通经验了。不管是什么人，不管文化程度高低，都喜欢看电影，而且都会看电影。其中的原因就是因为电影有一般文学与艺术样式所没有的直观性与生活实感。弗雷德里克·詹姆逊曾说过，电影从静止到运动，从黑白到彩色，从无声到有声，它所发展出来的正是还原生活的能力，与生活真实的距离正在缩小仍至消失。特别是电脑时代，甚至可以复制出无法再现的一些景观，如过去与未来的世界。而进入跨国资本主义时期——后现代，一方面是全球化的步伐正在加快，而文化的融合已是经济的融合之后不可阻挡的前景。在这种情况下，电影是最具有全球性的一种艺术形式，詹姆逊就把电影看作是后现代的艺术形式；另一方面是由于电视与电脑的出现，从人类文化的发展来看，图像的时代正在取代文字的时代，而电影又是其中最重要的交流工具之一。所以它的大众性，大众化才可以有如此高的程度，而一部《泰坦尼克号》也才有可能风靡全球。 但是电影的魅力除了直观性之外，一般人却不大注意到电影作为一种文化仪式对观众的潜在影响。 足以为证的是： 去电影院里看一部电影，和在家里从电视上去看同一部电影其审美的效果是很不相同的。原因就在于，除了故事的层面之外，在电影院里看电影还是一种文化的参与， 一种仪式的参与。 这就意味着， 作为放映电影的场所——电影院，对于电影成为一种艺术而言绝不是可有可无的。过去在南京，现在在香港，看电影的仪式感是很强的。 隐性的灯光， 隐蔽的银幕、 典雅的装饰， 都在提醒人们已经进入一种非生活化的状态。接着灯光渐暗，纱幕徐徐拉开，而音乐则悠然响起，观众是慢慢地， 不知不觉地被引入的， 电影院所做进入仪式为观众提供了心理的准备。这不像我们的电影院，人还没坐定，灯光突然灭了，到处吵吵嚷嚷。 而封闭性的空间，场地的黑暗、大致相同的坐姿， 银幕上光影与声音的引导，观众心理的放大效应，所有这一切，都在强化着一种进入仪式的状态。在这种情况下，观众的主体意识暂时消失，而身心两个方面都不由地交给了银幕。所以看电影都会有一种失去自己的感觉。特别是当代电影的视听强剌激，用一个心理学的概念就叫着“感觉剥夺”。而美国学者宾克莱曾使用过一个概念叫“委身”，来形容艺术欣赏的这种状态。这是一种有如宗教仪式的艺术仪式。人们只注意到电影故事的吸引人，而没有注意到进入电影院参与艺术仪式对一个观众心理的潜在影响。
写作思路：可以从任何形式、体裁的影视作品， 都离不开剪辑这一艺术再创造过程这个角度出发进行阐述，中心要明确，语言要具有逻辑连贯性等等。
正文：
任何形式、体裁的影视作品， 都离不开剪辑这一艺术再创造的过程。剪辑决不是剪剪接接的简单技艺性操作。一个合格的剪辑师， 应该在深刻理解作品思想内容和艺术形式及导演总体构思的基础上，富有创造性地对前期摄制的画面素材和声音素材加以整理取舍， 运用蒙太奇技巧进行有机组合，使之达到结构严谨、节奏张弛有度、具有较强艺术表现力和感染力的完整作品。
18世纪60年代―19世纪中期，随着工业革命的实现，资本主义生产完成了从工场手工业时代到机器大工业时代的过渡，原始资本开始迅速膨胀，这为电影电视产业夯实了基础。1895年上映的《火车进站》，全长50秒，仅仅只是火车从远处驶进车站的单一无声镜头。随着电影产业的不断壮大发展，1927年有了有声片，20世纪初期有了故事片，30年代出现了彩色电影，这样电影产业才慢慢成熟起来。剪辑是随着电影的发展而产生的，利用剪辑，把不同的单一镜头片段拼接在一起，形成一种新的理解和感知，构成一组戏剧性的段落。
众所周知，纪录片要通过前期选题、中期拍摄、后期剪辑完成。纪录片中期拍摄不同于影视故事片，故事片可以根据导演的分镜头脚本逐一拍摄，最后按照分镜头脚本稍加改动便可成片，这种剪辑观念在分镜头脚本里袒露无遗，是一种显现的剪辑观念。
纪录片的特征就在于，所拍摄的镜头没有分镜头脚本作为依据，剪辑观念蕴含在导演的思想里。中期拍摄的时候就需要采集大量的原始素材以保证后期剪辑能顺利完成，而且所有的素材都是在现场临时采集的，这就决定了纪录片拍摄的周期相对要比影视故事片长一些，素材的采集过程中往往一个动作过去就没有第二遍的重复，这不仅要求摄影师拍摄时的捕捉能力，更要求导演具有逻辑性的剪辑思维，因此，这种剪辑观念是隐现的。
电影开始发展以来，形成了两种理论学派，一类是以爱森斯坦为首的蒙太奇学派，他认为将电影进行剪辑之后可以产生新的意义。第二类是以安德烈・巴赞的长镜头理论，他从自己的摄影本体论中提出了与蒙太奇理论相对的长镜头理论，着重体现“空间的真实”。这两种学派，其实都是建立在剪辑这门艺术上的，很多时候我们把它定位于第三度创作。
一度创作是文学剧本的创作，剧本的创作不同于抒情散文的笔法，他要求具有严谨的结构，丰富的戏剧冲突，立体化的人物形象，合理的情节叙事以及完整的情景，文学剧本是一部影片的基础，只有坚实的基础，影视作品才能继续下去。
二度创作是导演拍摄的素材，这是建立在文学剧本之上，将文字转化为镜头画面的过程，要充分利用导演的调度安排和视角去诠释文学剧本，这时候影片的雏形已经可以看出来了。
三度创作就是剪辑了，剪辑要在感知文学剧本的基础上，充分了解导演的思想，将零散的镜头剪辑在一起，形成一种创新。要把握好影片的结构、速度，加之导演的先进世界观，这是一项复杂庞大的工作，最终才能形成一部视听语言准确、故事讲述通畅、并告诉观众导演眼中的世界的优秀影片。
要研究纪录片的剪辑效果，首先要从纪录片的定义说起，所谓纪录片，是以真实生活为创作素材，以真人真事为表现对象，并对其进行艺术的加工与展现的，以展现真实为本质，并用真实引发人们思考的电影或电视艺术形式。而电影的含义则是由活动照相术和幻灯放映术结合发展起来的一种连续画面。
由此对比可见，纪录片是现实生活的重现，这就奠定了纪录片剪辑的风格。它不能像影视故事片那样加入很多的剪辑特技，必须以反映现实生活为前提，形成一种质朴的剪辑风格。
最初的纪录片是没有剪辑观念的，《火车进站》一镜到底，纪录片发展到现在，虽然必须保留着这种质朴的风格，但是在剪辑上也进行了较大的革新，《舌尖上的中国——脚步》一集中，对于白马砍树上树采蜂蜜这个过程就使用了碎片化剪辑，增强了这个过程的紧张感。
因此，现代纪录片已经摒弃了古老呆板的剪接模式，也抛弃了纪录片由多数长镜头组成的观念，开始走向技巧化和大众化。现代纪录片中不仅仅只有长镜头理论，也会运用蒙太奇效果。
纪录片《阳光宝贝》中使用了对比蒙太奇，美日和非洲蒙古宝宝在生活条件上的鲜明对比，意在形成反差和冲突。在潘小扬的《小留学生》中多次运用了象征蒙太奇，影片多次出现倾斜的道路镜头，是象征日本经济的下滑。
电视纪录片《沙与海》中，导演将两个家庭不同的生活方式和思想观念交织剪辑在一起，这两件故事同时发生，但是却发生在不同的空间里，这就是平行蒙太奇。纪录片《幼儿园》里面的“好一朵美丽的茉莉花”的歌曲重复了四次，便是重复蒙太奇。
蒙太奇是电影电视作品中最常用的叙事手法，用来交待情节，展现事件，依据情节发展的时间流程、因果关系来分切组合镜头、场面、段落，引导观众理解剧情。现代纪录片中也使用了这一手法，使得纪录片的发展不再单一，呈现出多元化的趋势。
因为现在短视频的崛起，任何企业，任何工作室或者个人都需要剪辑大量的视频来包装品牌，发抖音，发朋友圈，发淘宝等自媒体渠道做展示。因为每天都要更新并发布新内容，所以剪辑师根本招不够，供需失衡就造成了剪辑师高薪水(无论是找工作还是自己在家里接私单，月收入轻松过万，两三万也是稀松平常。)【推荐一个免费“短视频剪辑后期”学习网址】： 王氏教育全国直营校区面授课程试听【复制后面链接在浏览器也可打开】： www.huixueba.com.cn/school/yingshi?type=2&zdhhr-11y04r-71085936 大家可以先把【绘学霸】APP下载到自己手机，方便碎片时间学习——绘学霸APP下载： www.huixueba.com.cn/Scripts/download.html影视后期制作就是对拍摄完的影片或者软件制作的动画，做后期的处理，使其形成完整的影片，包括加特效，加文字，并且为影片制作声音等。 后期软件具体可以分为平面软件、合成软件、非线性编辑软件、三维软件。以视觉传达设计理论为基础，掌握影视编辑设备（线性和非线性设备）和影视编辑技巧，能够进行影视特技制作的技术。影视媒体已经成为当前最为大众化，最具影响力的媒体形式。从好莱坞大片所创造的幻想世界，到电视新闻所关注的现实生活，再到铺天盖地的电视广告，无一不深刻地影响着我们的生活。过去，影视节目的制作是专业人员的工作，对大众来说似乎还笼罩着一层神秘的面纱。十几年来，数字技术全面进入影视制作过程，计算机逐步取代了许多原有的影视设备，并在影视制作的各个环节发挥了重大作用。但是直到不久前，影视制作使用的一直是价格极端昂贵的专业硬件和软件，非专业人员很难见到这些设备，更不用说熟练使用这些工具来制作自己的作品了。随着PC性能的显著提高，价格的不断降低，影视制作从以前专业的硬件设备逐渐向pc平台上转移，原先身份极高的专业软件也逐步移植到平台上，价格也日益大众化。同时影视制作的应用也从专业影视制作扩大到电脑游戏、多媒体、网络、家庭娱乐等更为广阔的领域。许多在这些行业的做作业人员与大量的影视爱好者们，都可以利用自己手中的电脑，来制作自己的影视节目。一般来说，影视的后期制作包括三个大的方面：一、 组接镜头，也就是平时所说的剪辑；二、特效的制作，比如说镜头的特殊转场效果，淡入淡出，以及圈出圈入等，现在还包括动画以及3D特殊效果的使用；三、声音的出现和立体声的出现进入到电影以后，我们应该还考虑后期的一个声音制作的问题，包括后来电影理论中出现的垂直蒙太奇等。这三点是影视后期制作必不可少的组成部分。传统的电视编辑则是在编辑机上进行的。编辑机通常由一台放像机和一台录像机组成。剪辑师通过放像机选择一段合适的素材，然后把它记录到录像机中的磁带上，然后在寻找下一个镜头。此外，高级的编辑机还有很强的特技功能，可以制作各种叠画划像。可以调整画面颜色，也可以制作字幕等。但是由于磁带记录画面是顺序的，你无法在已有的画面之间插入一个镜头，也无法删除一个镜头，除非把这之后的画面全部重新录制一遍。所以这种编辑叫做线性编辑，它给编辑人员带来了很多限制可以看到传统的剪辑手段虽然各有特点，但又都有很大的局限性，大大降低了剪辑人员的创造力，并使宝贵的时间浪费在繁琐的操作过程中。影视后期制作基本上是初剪-正式剪辑-作曲选曲-特效录入-配音合成这样一个流程。初剪：也称作粗剪。现在的剪辑工作一般都是在电脑当中完成的，因此拍摄素材在经过转磁以后，要先输入到电脑中导演和剪辑师才能开始了初剪。初剪阶段，导演会将拍摄素材按照脚本的顺序拼接起来，剪辑成一个没有视觉特效、没有旁白和音乐的版本。正式剪辑：在初剪得到认可以后，就进入了正式剪辑阶段，这一阶段也被成为精剪。精剪部分，首先是要对初剪不满意的地方进行修改，然后将特技部分的工作合成到广告片中去，广告片、画面部分的工作到此完成。作曲或选曲：广告片的音乐可以作曲或选曲。这两者的区别是：如果作曲，广告片将拥有独一无二的音乐，而且音乐能和画面有完美的结合，但会比较贵；如果选曲，在成本方面会比较经济，但别的广告片也可能会用到这个音乐。特效的录入：这个阶段是比较关键的一个阶段，将本身拍摄不到或者拍摄效果不好的地方进行特效制作，这里将运用到十分专业的特效制作软件，我们所看到的很多具有超强视觉效果的电影正是因为特效录入这个环节做的十分好。配音合成：旁白和对白就是在这时候完成的。在旁白和对白完成以后，在音乐完成以后，音效剪辑师会为广告片配上各种不同的声音效果，至此，一条广告片的声音部分的因素就全部准备完毕了，最后一道工序就是将以上所有元素并的各自音量调整至适合的位置，并合成在一起。 影视剪辑编辑艺术论文2007-12-02 12:32影视剪辑艺术是电影电视艺术的重要组成部分。剪辑艺术随着电影的诞生发展而逐步形成和不断完善。影视剪辑编辑艺术又推动了电影电视的发展和成熟。 影视艺术的有四个基本特性 。一是：视觉和听觉形象。影视艺术是视听艺术，电影电视都是通过画面和音箱，直接诉诸于人们的视觉和听觉，产生占83%的视觉形象和占11%听觉形象以及二者合一的银幕形象，进行叙事、抒情、表意，给人们以艺术的享受和审美的愉悦。 二是时间和空间艺术。影视艺术既是空间艺术，同时又是时间艺术，是时间艺术与空间艺术的综合体。电影电视都是时间的移动中展示空间，同时又是在空间变化中展示时间，二者联系紧密，不可分割。这种时间和空间的复合，时间艺术与空间艺术的综合，是影视艺术的又一基本特性。 三是逼真性和运动性。影视是“活动的照相”既能逼真地再现生活，又能生动地表现生活的运动状态和主体动作。逼真性和运动性是影视与生俱来的的本性。艺术家要努力发挥影视艺术的这一特性，将影视片拍的真实、生动、精彩。影视剪辑也要运用剪辑技术剪除虚假，剪出动感，剪辑出内在的真实与外貌逼真高度统一的影视片。 四是综合性和艺术性。影视既是现在科学技术发展的产物，又有人类文化艺术发展的结晶。影视是新兴的综合艺术。科技是影视发展的决定因素。因此，综合性和技术性也是值得我们认真研究和把握的。 剪辑在影视创作中具有举足轻重的地位。 剪辑，作为影视艺术的有机组成部分，是在电视电影的发展过程中应运而生，独立出现并逐步完善的。同时剪辑艺术的进步，又极大地影响和推动了影视艺术的提高和发展。影视剪辑的功能和作用，用一句话就可以概括，即：正确、合理、高明的剪辑，能够增强影视片的艺术表现力和感染力。反之，错误、平庸、低劣的剪辑，就会减弱甚至破坏影视片的艺术表现力和感染力。 剪辑（Film editing）是电影的后期制作流程之一，是由电影剪辑师将前期拍摄的视觉素材与声音素材重新分解、组合、编辑并构成一部完整电影的过程的总称。电影剪辑要处理的最基础问题，是镜头与镜头之间的时间和空间关系。而剪接（cutting）指胶片的具体工艺处理，蒙太奇既指镜头组接的艺术技巧，又常指由剪辑而获得的艺术效果，但在有些国家，蒙太奇也是“剪辑”的同义语。 将一部影片拍摄的大量素材，经过选择、取舍和组接，最终编成一个能传达创作者意图的作品，是电影创作的主要组成部分、一部影片从拍摄到完成的一次再创作。 目录 [隐藏] 1 剪辑综述 2 素材的工艺处理 3 剪辑的过程和功能 4 主要剪辑技法 4.1 传统剪辑技法 4.2 创造性剪辑 4.2.1 叙事、戏剧性效果剪辑 4.2.2 模拟、表现性效果剪辑 4.2.3 速度、节奏性效果剪辑 5 著名影人谈剪辑 6 参考 剪辑综述 早期阶段的电影只是将舞台剧原封不动地拍摄到胶片上，实际上是舞台剧的活动照相。20世纪初，从美国电影导演格里菲斯开始，采用了分镜头的拍摄方法，将内容分解为一个个不同的镜头分别拍摄下来，譬如用近景、特写等镜头来突出细节，用全景、远景来介绍环境，用一系列短镜头的快速转换来制造气氛和节奏，从而使电影摆脱了舞台剧活动照相的框框，成为一门独立的现代艺术，也由此产生了剪辑的艺术。 Edwin S. Porter一般被认为是最早发明剪辑的电影导演之一。爱迪生公司早期制作的电影多是静止拍摄的短片，随着电影长度的逐渐增加，Edwin S. Porter拍摄了里程碑般的The Life of An American Fireman（1902）。第二年他拍了The Great Train Robbery，现在被当作早期剪辑术的范例。 剪辑本来是导演工作的一部分，而且是非常重要的部分。随着科学技术的不断发展，电影从早期的无声片发展到有声片，剪辑的工艺越来越复杂，加上电影表现手法的不断更新，导演的创作任务也愈来愈繁重，他不可能再有时间，甚至未必有能力再去亲自操作剪辑设备、并剪辑影片了，于是便逐步产生了剪辑专业人员：剪辑师和剪辑助理。剪辑师同摄影师、美工师、录音师一样，是导演的亲密合作者。他从摄制组的筹备阶段开始，参加与导演有关的一切创作活动，如讨论分镜头剧本、排戏（即拍摄前的分镜头排练）等。他须充分理解编、导、演的构思和设想，然后根据导演提供的分场、分镜头剧本和拍摄时的更为具体的方案剪辑影片。分镜头（导演设计）与蒙太奇（镜头剪辑）是同一事物的两个方面。前者是意图，后者是实施。因此，也有人称剪辑为“分镜头的后期工作”。但“后期”并不意味着单纯的工艺操作，它是一个富有创造性劳动的阶段。镜头组接是否恰当，直接影响到银幕形像的完整性和感染力，决定着完成影片的质量。 对剪辑依赖的程度，因不同导演的工作方式而异，但剪辑师除了较完整地体现导演创作意图外，还可以在导演分镜头剧本的基础上提出新的剪辑构思，建议导演增加某些镜头或删减某些镜头、重新调整和补充原来的分镜头设计，以使影片的某个段落、某个情节的脉络更清楚、含义更明确、节奏更鲜明。 素材的工艺处理 剪辑是一项既繁重又细致的工作。一部故事影片往往少则几百个、多则上千个镜头。画面部分有内景、外景，有实景和搭制的景。同一景中的内容通常都是集中拍摄的，剪辑时要按照内容的顺序重新编排；影片中的重要镜头因表演或技术上的原因，往往要反复拍摄数次，需要剪辑时要进行选择。大部分的镜头都拍得较长，须从中寻找最为理想的剪接点；有些要作长短镜头交叉出现的画面，连续拍在了几条胶片上，需要在剪辑时分切成很多的镜头，再按照最有效的镜头顺序排列起来。 声音部分有先期录音、同期录音、后期配音3种录音方法，对这3种录音方法所录下的声带，要以不同的工艺和方式进行处理。先期录音大都是完整的唱段和乐段，须严格按照音乐的旋律和唱词与画面组合；同期录音的声带多半是“对形”的对白和音响效果，通常都和相应的画面同时剪辑；后期录音的内容有“对形”的对白、内心独白及旁白，有背景气氛音乐，有“画面”和“画外”的音响效果等等，一般都在画面剪定的基础上录音，这就要求剪辑时预先考虑到声画结合和声音所能构成的一系列艺术效果。在影片没有最后剪辑定稿之前，须妥善、有条理地保存所剪下的画面和各种声带，以便需要延长时再黏接上去。 剪辑的过程和功能 从镜头到场景、到段落、到完成片的组接，往往要经过初剪、复剪、精剪以至综合剪等步骤。 初剪一般是根据分镜头剧本、人物的形体动作、对话、反应等将镜头连接起来； 复剪是在初剪的基础上进行修正； 精剪更为细致、准确，对画面反复推敲； 综合剪是在全片所有场景的镜头都齐全、每个场景已基本剪好后，在对整个影片的结构和节奏做整体考虑的基础上进行的调整和增减。有些片断孤立地看是可行的，但与前后场景连接起来看，会感到太紧凑或太松弛，这就需要通过剪辑加以调节。这一关系到影片总体结构和节奏的调节工作，通常是导演和剪辑师共同研究决定的。 主要剪辑技法 剪辑既要保证镜头与镜头组成的动作事态外观的自然、连贯、流畅，又要突出镜头并列赋予动作事态内在含义的表现性效果。叙事与表现双重功能的辩证统一，是剪辑艺术技巧运用于电影创作的总则。为要实现上述双重功能，需要掌握传统的剪辑技法和创造性的剪辑艺术技巧。 传统剪辑技法 连贯、流畅是传统的剪辑技法，也可称作剪辑的基本功。这一技法的功用主要有两个： 一是在镜头的组接和修剪中，保证镜头转换的流畅感，使观众感到所有画面是一气呵成地进行的； 二是在影片的段落转换中，使上下两个段落之间既有一定的连贯性，又能清楚地划分出段落的界限，使观众不致把不同时间，不同地点的内容误认为是同一场面。连贯、流畅的剪辑技法，就镜头转换而言，须注意以下几点：防止错乱。镜头动作间的衔接须准确无误，既不脱节也不重叠；人物行动的方向、彼此间的空间关系，不致因镜头转换而造成视觉印象的混乱。如画面中的人物在他的书房里活动，上一镜头他由书柜向写字台方向走去，并且是由画面的右边走出画面，那么下一个镜头他走到写字台旁，必须是从画面的左边进画。右出左进的方向是一致的，因此是流畅的。如果上镜头是右出画，下镜头又是右进画，同一人物在两个镜头中的行动方向势必相对起来，容易在视觉上造成错乱。尤其是剪辑双方交战和追击等场面，方向性必须清楚，否则就会使观众难以区分两方。 镜头转换协调。剪辑往往以不同镜头中动作事态的造型、节奏类似的部分为剪接点，以达到和谐的转换。常见的技法是“动接动”、“静接静”。 “动接动”指在镜头的运动中和人物形体动作中切换镜头，如上镜头是摇摄，在未摇定时切换到另一个摇摄镜头上，而且摇的方向、速度接近，衔接起来的效果相当流畅，观众会随着镜头摇动非常自然地从一个环境或景物过渡到另一环境或景物。在推、拉、移、跟等的运动中转换镜头，“动接动”的原理是相同的。“动接动”更多是在人物的形体动作中切换镜头。如人发怒时拍桌子的动作，在电影里往往就是上下镜头的剪接点，即上镜头手举起，下镜头往下拍。 “静接静”指在一个动作结束后（或在静场时）切换镜头，切入的另一个镜头又是从静到动。“静接静”多半是转场时运用，即上一场结束在静止的画面上，下一场又从静止的画面开始。静接静既是衔接和谐的需要。又可留给观众思考的余地。省略实际过程。就是通常所谓的紧凑剪辑，即同一动作内容可通过镜头的转换来省略其间不必要的过程，而仍然保持动作的连贯流畅。有的对人物意向表白、间接暗示行动过程的省略，有的省略动向动势压缩实际过程。 如一个演员正在向阶梯跑去。在左面的镜头进程中，观众已开始认识到，既然这个演员朝阶梯跑去，那么当他真正到达时，他就会跳上二、三级台阶。在这样的情况下，把表现演员到达阶梯底部前几英尺时的镜头（右上）剪接到他已经踏上两三个台阶的镜头（右下）前，常常是能够让人接受的，这就压缩了动向动势的实际过程。 连贯流畅的传统剪辑技法，镜头的转换习惯用“切换”（将分切的镜头画面直接黏连），但场面段落的转换，一般用“渐隐、渐现”表现上一个场面段落的结束和下一个场面段落的开始；用“化”来表现一段省略掉的时间过程，划分两个不完整场面的段落；用“划”来表现地点、场合、事件的变换，划分两个以上的不完整场面的段落；以上是利用洗印或摄影方法制作在胶片上的“光学技巧”。此外，还可以用很多方法来划分段落，例如仍用切换方式，只是在前段落转换时沿用最有代表性的人或景物镜头做为下段落的开头。 传统的剪辑技法，遵循的是生活的逻辑，但又不是自然主义地再现生活中的一切过程。紧凑剪辑、省略剪辑也说明了镜头间动作纯粹自然的连贯并非总是必要的，压缩（或延伸）真正的时间，让有意义的动作事件全部表现，把自然动作减少到最低限度，是连贯流畅剪辑技法的一条重要补充原则。 创造性剪辑 剪辑艺术技巧，在长期的制片实践中，已具有丰富的经验，在欧美的理论著述中，有时统称为创造性的剪辑；特别是经过爱森斯坦、普多夫金等导演师的开拓探索和理论总结，已形成为蒙太奇的某些根本性的原则和法则，并被作为电影艺术独特的结构表现手段，渗透于电影创作的全过程。常见的创造性剪辑技巧有下面几种 叙事、戏剧性效果剪辑 尽管经过剧作构思、分镜头摄录，但电影叙事的生动、戏剧性效果，最终还取决于剪辑能否控制关键镜头的时间安排。叙事技巧的要点是，运用调整重点、关键性镜头出现的时机和顺序，在镜头动作事态的连贯中，选择恰当的剪辑点，使每一个镜头动作的新发展都在戏剧上最合适的时刻表现出来。故事片常提前暗示或有意延缓“危机”、“事变”来制造紧张期待的悬念、出人意外的惊恐。 模拟、表现性效果剪辑 内容或形式不同的镜头间的对列，是创造性的剪辑广泛运用的表现手法。一般引人注意的是通过剪辑的安排和穿插，将一些与直叙故事的内容相对比或者相类似的镜头并列在一起，以取得揭示内在含义、渲染情绪气氛的艺术效果。表现性剪辑的要点是在保证叙事连贯性的同时，利用连贯性表现超越直叙事态之上的思想与情感。这样的剪辑不但不使观众感觉到跳跃和不舒服，反而恰恰符合情绪和节奏的需要。它大胆地简化自然动作，有选择地运用统一的情绪，来集中渲染气氛和情绪。 速度、节奏性效果剪辑 当不同景别的镜头组接技巧在空间的具体造型方面成为电影独特表现手段的早期，已发现镜头持续的长短，在心理方面具有影响情绪的感染力。 镜头短，画面转换快，引起急迫、激动感；镜头长，画面转换慢，导致迟缓乃至压抑感；长短镜头交替切换可造成心理紧张度的起伏。因此，剪辑控制画面的长短，可强化或减弱镜头切换中动作事态的速度，调整与叙事内容格调相应的情绪节奏。 这种通过镜头长短对比形成的速度节奏的技巧效果，一般称作剪辑调子，通常叫作快速剪接或慢速剪接。镜头的长短基本取决于镜头画面内容的简繁，画面快慢的切换不能超越镜头内容含义的充分表达和为观众了解的最低时限。剪接调子也表现于场面或情节的段落。快速剪接段落，往往与慢速剪接对列，起互相强调的作用。一个场面（段落）的剪接调子，是由其中那些占有一定长度、一定放映时间的镜头数目来计算的，称作剪接率。数目少意味着场面内长镜头占优势，称作剪接率慢或慢调剪接；镜头数目多意味着场面内短镜头占优势，称作剪接率快或快调剪接。 准确运用速度节奏技巧的经典例子，是爱森斯坦的《战舰彼将金号》。全片由3大段较大的运动组成，每段又分布着无数较小场面不同调子的运动。在叙述兵舰起义的第一大段中，水兵和军官冲突时调子越来越强烈，最后水兵起义夺取军舰达到高潮，是用逐渐强烈的画面片断以及相应的愈益紧急的剪接调子；高潮后逐渐进入一组平静的场景，一个水兵的葬礼使用极长的回转的镜头，这些镜头都使用平静的、缓慢的剪接速率。这里显示出不同场面剪接调子间的强烈对照。本回答被提问者采纳你的电影方面论文准备往什么方向写，选题老师审核通过了没，有没有列个大纲让老师看一下写作方向？ 老师有没有和你说论文往哪个方向写比较好？写论文之前，一定要写个大纲，这样老师，好确定了框架，避免以后论文修改过程中出现大改的情况！！学校的格式要求、写作规范要注意，否则很可能发回来重新改，你要还有什么不明白或不懂可以问我，希望你能够顺利毕业，迈向新的人生。毕业论文怎么写？毕业设计和毕业论文是本科生培养方案中的重要环节。学生通过毕业论文，综合性地运用几年内所学知识去分析、解决一个问题，在作毕业论文的过程中，所学知识得到疏理和运用，它既是一次检阅，又是一次锻炼。不少学生在作完毕业设计后，感到自己的实践动手、动笔能力得到锻炼，增强了即将跨入社会去竞争，去创造的自信心。这里仅将我们教研室老师近年指导本科毕业生论文中的体会整理出来，希望能对学生毕业论文有所帮助。选择一个相关的题目，应该是你感兴趣并且和你所学的专业相关的。进行文献检索，查找有关这个主题的所有研究成果，并且进行深入的研究。在广泛的吸收别人的成果的同时，思考自己在这个问题上的观点和看法，这是你能做的最重要的一步。参考科技论文的写作规范，先写出大纲，再增加内容形成草稿，反复修改，最后定稿。需要注意地问题： 标题是文章的眉目。各类文章的标题，样式繁多，但无论是何种形式，总要以全部或不同的侧面体现作者的写作意图、文章的主旨。毕业论文的标题一般分为总标题、副标题、分标题几种。一般说来，篇幅较长的毕业论文，都没有分标题。设置分标题的论文，因其内容的层次较多，整个理论体系较庞大、复杂，故通常设目录。参考文献又叫参考书目，它是指作者在撰写毕业论文过程中所查阅参考过的著作和报刊杂志，它应列在毕业论文的末尾。列出参考文献有三个好处：一是当作者本人发现引文有差错时，便于查找校正。二是可以使毕业论文答辩委员会的教师了解学生阅读资料的广度，作为审查毕业论文的一种参考依据。三是便于研究同类问题的读者查阅相关的观点和材料。简单，给钱，给你个千字质量论文《集结号》 从某种意义上讲，本片更多地探讨的是《父辈的旗帜》中战士走向和平之后如何适应和平生活的问题，在这部美国影片中，它强调了士兵走出战场之后，应该融合进平凡的人生，但是，在《集结号》中，我们看到了一个士兵依然沉浸在战争状态，意图用战争的特殊状况来指责和平年代对于他们献身的忽略，借此来凸现一个士兵的悲剧命运。而在美片中，如《兄弟连》、《父辈的旗帜》中，展现了士兵们会忘记战争，在新的生活中重新找到自己的定位，特别是《兄弟连》中有重点一章，表现了士兵们在释放战场对于灵魂的恶的异化之后，重新回归到和平生活。而我们中国电影，却远没有这样泰然地对待战争，影片中的谷子地追求一种名份，一种面子，并且以一种庄严的态度表现出来，甚至他可以用死人的名义压着矿山建设，都反映了一种中国电影在理念上与其他国家文化的差异。 值得注意的是，冯小刚在电影恰恰回避了对战争原因的说明，而他所学习的《拯救大兵瑞恩》与《兄弟连》中都没有忘记肯定了美军士兵参与的战争是正义的，应当的。在《拯救大兵瑞恩》中，专门设置了一个美军拯救法国小女孩的戏，变相地说明了美军不远万里来到异国他乡是为了拯救当地人民的，他们连小女孩都要拯救，何况那些本土的当地人？而在《兄弟连》专门用一集表现了纳粹的集中营，用以说明美军为什么而战。而在《集结号》中，没有任何对士兵们参与战争动机的解释，他们服从的只是一个命令，而不是他们自愿地献身于那一场战事。可以看出，我们中国电影却日益惧怕去肯定一场战争的正义性质，以及获得士兵的参与的认同。这样的模糊了战争动机的电影本体，注定是无法让人对士兵的行动产生认同与赞许。这不能不说影片在基调设置上因噎废食走向反面的失误之一。 因此，整个电影与它所模仿的视觉影像的母本《拯救大兵瑞恩》、《太极旗飘扬》虽然有着表象上的近似，但在本质上，影片的后半段的大段冗长的文戏，却是独特的中国题材里特有的由“命令”决定的荒诞。生命的不自由的潜台词，在这一段里得到了隐形的再次发作。 现在冯小刚移用了美式特技（虽然这种特技是由韩国人倒腾出来的），套在了旧有的中国电影的惯性的思维模式上，自然产生如我们前面所云的水土不服现象。影片的前后部分完全是两个不同的电影，节奏与处理方法完全不一样，前面的镜头，是对好莱坞摇移镜头的学舌，下面的部分，才真正是冯小刚语言类电影特有的叙事风格。在影片的后半段中，我们看到大段冗长的静止的镜头，再也不见了前面的快速剪切的强悍风格。冯小刚处理文戏镜头时，是不注重镜头的切换的，他基本就是采取让镜头架在那里，让人物在那里侃侃而谈。在影片的后半段中，我们看到的是一个注重语言而不注重镜头的冯小刚。比如，谷子地与二斗在医院里的那一段镜头，只见两个人坐在长椅上，完成了全部的对话，使人想到在《手机》中葛优洗脚的那一场戏，冯导也是采取这种毫无作为的冗长镜头来一笔带过的。可以说，影片的后半段的冗长乏味，显示出冯小刚在处理文戏镜头里，一旦没有了葛优式的幽默的口吻，他的那些文戏便“淡出一个鸟来”。冯小刚在处理文戏时，还不自觉地保留着葛优那种缓慢的沉吟腔，就是在前半段的战争镜头中，冯小刚一旦表现人物对话的镜头时，也是让人物板着一个表现，用葛优的腔调意味深长地讲话，与当时的战争气氛严重不匹配。 可以说，《集结号》的后半段是完全的冯式镜头，而战争场面上，我们看到冯小刚缺乏操纵动作镜头的能力，很多镜头都可以看出冯的视角混乱，镜头杂乱无章。我们回头看看《拯救大兵瑞恩》的开头战事镜头，会发现电影很注重视角的统一，摇晃的镜头，一直是以美国大兵的视角展开的，一直没有发现敌方德军的主观镜头，这给影片增添了许多主观的强烈的视效。但是，冯小刚在《集结号》的战事处理中，我们看到他在镜头上是混乱不堪的。在国民党冲锋的一场战争场面上，冯小刚在表现九连战士进入战壕后，突然迫不及待地用一个镜头放在了国民党军的后边，换成了国军的视角。国军冲锋的镜头，冯导让镜头平行地放在国军队列的左边，这个视角在真实战场上是不可能存在的，是一个电影的客观的视角。而这个客观的视角，冯导也让它摇摇晃晃，而在“拯救瑞恩”一片中，摇晃的镜头，是在表现美军的主观的镜头时才会出现的。可见，冯导滥用了摇晃镜头，甚至把客观的镜头，也莫名其妙地采取了这种方式，可以说违背了电影语言的基本规律，只能说冯导在学舌时，他的习惯于语言类电影的拍摄手法，无法给他的电影以支撑。实际上，冯小刚是从电视剧走上银幕的，没有经过电影拍摄的专业训练，他是在干中学，学中干，能取得这样的进步不是值得一赞的，但是从电影镜头的叙事统一的高要求的角度上来看，我们有必要对他的电影更苛求一些。 下面的混乱，观众完全被美式或韩式的天崩地裂的爆炸场面给弄得七荤八素，但画面的内在的对应关系却相当的混乱，镜头在共、国双方的士兵们之间杂乱地切换着，时而全景，时而特写，或是共军，又是国军，有时候他们还以同一方向在镜头里运动着，镜头之间的逻辑关系几乎看不到，令人对战场场景处于一种丈二和尚摸不着头脑的混乱中。在国军坦克进攻的一场戏中，我们看到了“拯救”一片中相似的场景，但看看斯皮尔伯格是如何处理这一场戏，在“拯”一片中，坦克是从地平线上来的，先露出了炮管，而冯导在处理坦克时，直接就用镜头和盘托出，根本无法传达出通过士兵的主观视角感受到的战场压力。 总之，《集结号》是冯小刚学舌好莱坞电影的习作，而骨子里的内核仍是中国电影关注的“命令”的束缚与荒唐问题。过强的理念化操作，使影片里的人物缺乏感人的力量，也注定不会在人性方面有所突然。而电影的战线拉的太长，很多重要的谜底及戏剧冲突都放在了战后，使得影片里的战场镜头里并没有与整个电影等价的戏剧冲突，使得整个电影里的战争徒有轰轰烈烈的形式，但却无益于人物形象的塑造。加之冯小刚一直擅长的语言类镜头的营造，对于处理战争场面有一种黔驴技穷的无奈，也使得整个电影的战争场面与它学习的母本有着很大的差距。而正是这种差距，是令我们失笑的原因。
南京大屠杀是中国人心中永远的痛，我想这种感觉跟现在犹太人回望二战集中营毒气室的感觉还不一样，除了悲愤，更多的是屈辱，毕竟这是一国之都，没有经过像样的抵抗就轻言放弃，任自己的子民变成魔鬼刀俎下的鱼肉，对于一个政府来说，是不可原谅的。 《南京！南京！》从一开篇就真实地让我体会到了那个裸露在狼群的末日危城里弥漫着的恐惧和绝望，被炮弹蹂躏的千年古城墙，弃守的军队踩踏着同胞的尸体溃败，这种恐惧和绝望自始至终地攫取着我，从放弃抵抗到寻求庇护到任人宰割，我看到的是一个不设防的城市面对豺狼的正面全裸。那轰然倒地的中山像与后来日军占领南京仪式上的祭祀舞蹈形成锋利的对比，失去了民主民生民权信仰恩泽的南京，在她裸露的躯体上只有一群野兽在蛇行，这个场面带给人强烈的视听震撼，前面剧情中有几次日军练习跳舞的情节，到这里才知道那并非闲笔，所有的摧毁都是预谋和准备好的，而且，可能一直到今天，他们一直在准备。 （如果抛开政治因素和民族情绪，跳舞这场戏真的很精彩，观赏性极高，那两个日本鼓手太牛NB了！） 《南京！南京！》很大胆的一点是，陆川没有按惯例用一条贯穿的个人命运情节线来组织全片，而且用的是一个参战的日本兵角川的视角来审视和判断所发生的一切。我徒劳地等待着男女主角命运的交集，但刘烨扮演的演员表上的男一号，中国军官陆剑雄在影片三分之一处就死了，而这时高圆圆和范伟所扮演人物的故事还没有真正展开，所以这部影片中没有真正意义上的男女主角，这里的主角只有一个，那就是这座沦陷的城市。这样做的结果是影片的纪实色彩大大增强，但却部分剥夺了观众的观影快感，因为这里没有真正意义上的情节高潮，节奏缺乏变化，两个小时郁结在观众心中的压抑和绝望没有得到有效的释放，以至于到后来因感官疲惫而产生了一丝麻木，从而削弱了影片本应具有的感染力。不过这是见仁见智的事情，据说现在的故事格局是经过几番修改最后形成的，如果能接受这种叙事模式，虽然看下来有点累，但也很过瘾。 而影片中有几处人为设置的败笔不得不说，一个是在中国被俘军队在接受屠杀时爆发出的口号，这一点我在任何史料中都没看到过有这样的记载，这应该是导演借人物之口想要传达给观众的情绪了，但在这里让人一下子就跳出影片的情境了，让我觉得很别扭。还有就是影片的结尾，出现了剧中出现人物的生卒年，我们都知道这些剧中人是虚构的，就算是有原型也不是原名了，而这样的罗列太莫名其妙了，也许只为了最后出现的那行字：“小豆子，一直到现在还活着。”这个小豆子是最后被角川释放的两名幸存者之一，也许导演是想借这样的设计来表现中华民族生生不息的生命力，但这样的设计实在是太刻意了，即使要传达这样的意义也应该用更电影化的手法来表现，很多人都还记得《辛德勒的名单》中的那一缕烛光和那个小女孩在黑白影像中的那一抹红色吧？ 其实这样沉重叙事力求真实还原历史的电影很忌讳的一点就是导演替观众去思考，很直白地把导演意图强加在观众身上，还有一点就是人为地拔高人物。范伟扮演的唐先生是这部影片中塑造最丰满的一个角色，千方百计小心翼翼委曲求全，只为保护家人性命，甚至不惜与魔鬼交易，但我实在是看不出他有什么理由和动机最后主动放弃生存的机会，至少影片中没有给出充分的理由，也正由于此，他与妻子生离死别的一场戏尽管范伟和秦岚的表演都很落力，但依旧感染不了我。还有就是角川这个轴心人物，我可以理解导演在这个人物身上赋予一些人性的光辉，其实这个人物前面的举动都符合逻辑，包括他与日本慰安妇百合子的交往，对高圆圆扮演的姜淑云的敬仰和成全，甚至到他放走了两名战俘，都可以视为是给为了救这两人而死的姜淑云一个交代，但让他以自杀来为自己亲历的这场屠杀谢罪有点过了，据我所知这样的事情并非没有，但电影本身并没有给我充分的说服力，我觉得这都是创作者在揠苗助长地拔高人物。 因此我觉得由于上述缺陷，《南京！南京！》很难被称为是一部伟大的电影，但说它是一部优秀的具有较强艺术性的商业电影，则一点不为过，尤其是在技术层面上，陆川已经在尽可能的程度上做到最好了。 首先在置景服装道具上，基本上无懈可击。我看到了事先被反复炒作的剧组在天津和长春复原的南京城，残垣断壁，遍地瓦砾，极具质感，昔日繁华的六朝古都已经成为真正的人间地狱。陆川曾反复强调这是一部战争电影，但这部电影中真正的战争场面也就那么十几分钟，但就是这十几分钟的巷战也已经全面超越中国以前战争电影的拍摄水准了，凌厉的剪辑、逼真的声效、一丝不苟的场面调度、灵活走位的斯坦尼康，将人物的反应、动机、战术交代得清清楚楚，而且最终呈现效果异常的惨烈。 为了追求忠实记录的真实效果，片中大量运用长镜头，其中最典型的一场应该是唐先生被处决一场，从点烟、交谈、枪杀、补枪一气呵成，到最后两名日本人在前景说话，后景一直是半吊着的已经死亡的唐先生，绝佳的构图，而且我们知道后景中一直低垂着的是范伟而不是替身，因为镜头没有换过。后面姜淑云之死也是同样效果。在那个命贱如蝼蚁的时期，影片中所有的死亡表现得都很干脆，没有任何的拖泥带水，一条生命被剥夺，就是这么轻易，轻易得让人心惊。 群众演员的表现是考量一部大场面电影很重要的一个指标，即使是《投名状》、《赤壁》这样的超级制作，群众演员穿帮的场面也比比皆是，有的还很严重（尤其是《投名状》）。在《南京！南京！》中，人海场面有多处，我只发现了一个群众演员笑场的穿帮镜头。小股日军误入小教堂一场戏，是将观众彻底拉入影片设置的绝望深渊的开始。数千中国人面对几个惊慌失措的日本军人举起双手，其实这几千人一拥而上这几个日本兵都能给活活踩死，但他们没有，他们选择屈服，这是一个丧失的反抗意识等待宰割的城市，这里的群众演员表现出来的木然很到位，配合影片情境，我们可以感受到他们心里的恐惧和茫然（典型的库里肖夫实验效应），可以说陆川对大场面的掌控能力还是很令人赞叹的。 应该说看这样的电影人人都应该是做好了一定的心理准备的，但看过之后依旧会有难以释怀的压抑。我觉得这部电影可贵的地方不是在于一味谴责侵略者的残暴和兽性，它在试图在更深的层次上探讨我们为什么会遭受这样的一场劫难。 影片真正让我动容的有两个地方，一个是拉贝离开南京时面对难民们的下跪，尽管影片已经弱化了拉贝在这场屠杀中对中国人的救世主色彩，但他使得20万人幸免于难毕竟是事实，对于一个已经完全丧失自保能力，仅靠求生本能苟延着寻找救命稻草的群体来说，值得反思的东西更多。所以最后日本人的祭祀之舞才会给我那么大的冲击力，那种阳刚、那种秩序、那种虔诚，都是当时的中国人所不具备的。这里就说到另一个让我感动的场面，这名为了换取过冬物资带头去充当慰安妇、并最后被日本人蹂躏至死的妓女，至少她在用自己的血肉之躯去保护自己的城市和人民。 也许会有人看完《南京！南京！》后会谴责这电影如何美化了日本人，但现在单纯地用民族主义情绪去解读那一场屠杀应该是远远不够的，屠城的事不止日本人干过，真正的国耻不仅仅是别人强加于自己身上的伤害，还有这个民族无法保护自己、面对屠刀只能丧失血性地正面全裸的羸弱。本回答由提问者推荐
《英美电影》 [摘要]本文分析了英美电影在英文教学中的优势和特点，并阐明了英美电影在大学英文教学中的作用。作为英文语言文化的有效导入途径，它们在英文课堂中的运用，丰富了教学内容，激发了学习兴趣，提高了整体教学质量。 [关键词]英美电影 英文教学 导入 一、引言 “语言必须在情景中呈现和练习”——这是英国语言学家Palmer等提出的情景教学法的主体特征。它强调在英文学习中，必须通过真实的交际情景调动学生的学习积极性，即语言使用不能离开一定的社会情景。因此，用英文电影辅助英文教学，不仅保证了语言材料和语言环境的真实性，而且还生动地把文化知识、社交技巧、商业策略等展示出来，促使学生在跨文化的意识中培养语感，提高英文听说能力，拓展自己的交际视野。 二、英文影视教学的可行性与优越性 电影通常被称作“第七种艺术”，兼容着其他艺术的知识含量和文化弹性。它在视觉和听觉背景下所传递的文化信息不容忽视。研究显示，在以英文为第二语言的教学过程中，影视教学正成为一种主要的教学辅助手段。 Herron，Hanley和Cole(1995)的研究发现：带有描述性画面的电影对提高学生的语言听力有极大帮助。在同等听力材料下，那些在课堂上观看电影的学生，比以声音为媒介来提高听力的学生理解力更好，尤其是当电影中的对白配以夸张的动作，或者电影与相关的图片和背景性文字结合运用的时候。这表明电影蕴含的视觉信息越丰富，学生听觉能力就越高。而且，由于影视语言的外延性与内涵性处于一种常在的关系之中，它的所指和能指信息就为言语活动对象提供了一定的场景与语境，增强了感性认识。 影视教学为学生创造了一个能摆脱母语羁绊，调动学习者眼、耳、口、大脑甚至整个身心做出反应的立体式学习语境。影片中的信息通过视觉、听觉、话语动觉的一连串运作，传输给大脑中枢，建立起信号联系，在此基础上提高了语言能力。那些在观赏中定格在记忆里的电影对白，一旦和现实生活中的某一生活场景相吻合，就会诱发大脑迅速做出反应和加速记忆，形成语言深化后的语感。 由此可见以电影作为英文教学辅助手段的可行性和优越性。 三、英文影视教学中交互作用的发挥 英美电影课不是教师放映、学生观看的单向学习过程，而是教师、学生、活动、设备相互作用，构成网络状的交互教学过程。针对不同的教学目的和教学对象选取适当和系统的视听材料后，教师应当充分发挥这种交互作用，丰富教学活动，激发学生的积极性。 1．教师与设备的交互 英美课上教师面对两个对象，一是学生，一是设备。教师与设备构成操作与被操作关系，合理的操作设计取决于充分的备课工作。教师针对教材认真备课并熟悉设备，从而保证课堂上教材播放与师生讨论穿插衔接合理，播放时段划分控制得当，操作熟练。教师在向学生提供自然习得语言知识的过程中，应利用现代化技术和设备将生词、难点、背景介绍和练习题做成幻灯片或机上操作文件，并将其合理编插到教学程序中，以便利教师讲解和学生理解。 2．教师与学生的交互 教学是在教师引导下学生学习的过程。完成教学任务的关键是正确发挥教师和学生的作用，处理好相互关系。在英文电影课上由于一些心理因素，如对所学语言有畏难心理、缺乏自信，再加上学习时需要多感官共同运作，学生常处于紧张的学习状态。克拉申在其情感过渡假说中认为这些不良因素会产生屏蔽效应，阻挡信息的输入，影响正确理解和对知识的掌握。因此在教学中，教师平等、和蔼、亲切的态度，教师的鼓励和引导会增强学生的自信心从而促其形成积极的学习态度。在影片播放前，教师应进行内容简介，引导学生关注焦点，调动参与积极性，并将人物形象和背景知识介绍给学生，要求学生猜测或描述角色的职业、个性、相互间的关系等。播放中穿插相应指导、答疑。观毕以问答形式了解学生的理解程度，与学生共同讨论重点内容。 3．学生与教材的交互 英美电影课上学生与教材是输入与被输入的关系，根据输入假说，语言学习首先要保证输入是可理解性输入才能产生效果，输入不能过难，也不能过易，要稍高于学习者目前的语言水平，让其通过自己的努力取得进步。在视听中，学生进入了一个真实的英文交际环境，要积极聆听，并努力理解说话人的感受，感知和接受不同文化风俗与角色共鸣。对一些经典的、简练的对白还需仔细研读，模仿地道的音调，学习正确的语用表达。 4．学生与学生的交互 英美电影课丰富多彩的内容输入必然会引起接收者丰富的联想和感受。教师要适时激发学生参与的欲望，积极引导他们表达出对片中人物、内容、情节、寓意的感受，与学生共同探讨片中语词句运用精彩之处和西方文化在语言交际中的体现。教师还可组织学生就播放的某些内容，交流彼此的看法、感受，以训练学生表达流畅、用词准确、灵活应变等能力。 四、英美电影在大学英文教学中的运用 下文以《阿甘正传》为例，探讨英文原声电影在提高学生听、说、读、写四项基本技能方面的效果。 1．最大限度提高学习兴趣 影片创造了轻松的英文学习氛围，活跃了课堂气氛，增加了学习趣味性，从而使学生收到了良好的学习效果。研究表明第二语言的学习效果和情感因素密切相关，因此要在最大限度上减少影响语言学习效果的消极态度，而电影恰恰给学习者提供了一个轻松的氛围。片中男主人公的生活有一段就在大学校园里度过，与学生的生活非常贴近，因此他们很感兴趣，加上该片的语言纯正、发音标准，学生不由自主产生了学习动力，进入了最佳学习状态，个个聚精会神。 2．全方位促进语言输入 影片有益于学生听力能力的提高，促进地道的、口语化的英文的输入。放映前教师可讲解一下影片中的语言难点和要点。放映时，学生会着重注意这些语言点，加深对它们的理解和应用。这部影片中有很多典型的英文口语范例，如：Lifewas like a box ofchocolates．You never know what you’regoingtoget．生活就像不知道下一块会吃到什么味的巧克力一样，只能顺其自然。We'regonnagetyou!我们会抓住你的。I can run likethewind blows．我可以跑得象风一样快。这些句子很简单，但都是生活中典型的口语，学生通过大量的听力训练，不仅加深了听力理解，而且促进了真实、鲜活的语言的导入，有助于他们适应真实的语言环境。 3．有效导入英文国家文化 影片有助于学生对美国文化的深入了解。电影是一面镜子，是一个国家和民族的社会生活和文化的最直观、最生动的反映。它涉及了社会生活的方方面面，反映了一些突出的社会问题。通过观看这部影片，学生加深了对美国文化的认识。例如阿甘在描述珍妮父亲时用到了Kissin，and touchin，herand her sisters．似乎他是个慈爱的好父亲，可后来珍妮却离开了他。这里很多同学看的有些迷惑，其实阿甘那时作为一个孩子，也只能理解到这一步。这里实际暗指珍妮父亲对她们姐妹的性虐待。大家可以从她父亲的酒瓶、她破烂的衣服看出珍妮所受的非人的对待。所以她才想变成一只鸟飞走。童年的阴影直接决定了珍妮在以后人生中安全感的缺乏以及对生命的不负责任。深爱她的阿甘多次受到她言语的伤害，她只是把阿甘当做一个傻子，竟然在阿甘表达对她的爱时指责阿甘不懂什么是爱。经过多年的挫折后，阿甘无数次的包容和帮助才让她看清谁是可以永远依靠的人。影片中后来珍妮拿石块猛砸她父亲的老房子的镜头使观众充分体会到苦命的童年给她带来的伤害之深。而这也是美国乃至整个人类的悲哀。 欣赏完影片后，师生可一起剖析一下这些社会问题的现状和起源。教师可以从儿童虐待的概念入手，通过数据陈述该现象在美国存在的广泛性，进而透视其存在的个人、社会及文化根源，最后延展到儿童虐待给孩子造成的身体和精神伤害。这些深入分析可以让学生更直观地了解美国。这种教学效果是传统课堂教学所难以达到的。 4．趁势强化语言输出 影片放映后写影评可以有效提高写作能力。观看完此片后，教师可布置学生写观后感。学生的写作热情会非常高，从不同视角度抒发自己的感受。比如有的同学由衷钦佩阿甘的美德：诚实、守信、认真、勇敢和珍视感情，而有些同学针对珍妮和阿甘的爱情展开讨论。 五、结语 综上所述，影视教学是英文课堂教学多元化的有效尝试。它不仅在极大程度上调动了学生的积极性，增强了听力理解，而且还促使学生去充分了解英文世界里的风俗民情和人生百态，提高了学生的艺术欣赏水平，起到了寓教于乐的课堂教学效果。但教师必须意识到，学习英文并不能仅仅依赖于电影本身所传递的信息，还要借助于学生主体的动机和兴趣，把语言的输入、输出活动有机结合起来，全面发展学生的语言技能和交际技能。教学实践证明，通过英美优秀影片导入英文语言和文化是一种行之有效的方法，应对之进行不断的探索和学习。本回答由提问者推荐
《十七岁的单车》：颠簸在喧闹都市中的单车记得上大学电影赏析课的时候，上课老师用“无言”两字说出他看这部作品的感受。我当时就纳闷了。主要是以前就上过这老师的其他课，业余时间也和他交流过这方面话题，平常的他都能侃侃而谈，怎么现在就“无言以对”了？当时也就怀着这样纳闷心态问了这方面一个愚蠢问题，他沉思了几秒钟说，你还是看过电影在发表意见吧！当时心里还是很不服，至少也要给个理由先。谁知道，在我看完这部作品后，对自己刚从那般表现还是感到惭愧。最后，交期末影片观感的时候，我还是下定决心些这片观感，一是承认自己的无知，二是观后心态的释放。本来今天是懒得写东西，就是在某处看到有人讨论该片子，觉得好奇就前去看了下，也讨论了些，忽然想起大学里的一些破事，其中就包括上面提到的那件。想想还是再写一篇，当时写的也比较随意，并没有深入阐述片中现象，现在想想还是完成这个心愿。在不同的年龄，不同的环境，对一部片子的理解也是不同的，即使大趋势是一致的，表达重点也是不一样的。下面文字纯属凭着记性写的，本人记性就那样，大家讲究。《十七岁的单车》故事内容极为普通，视角锁定在北京大都市里打工的一个农村小伙，透过他的视角来阐述城里人对农村人的态度和看法，从中挖掘出可以讨论话题价值和社会问题，他想通过这个作品唤醒人们潜在意识，在不断撮合和磨合中逐渐改变对待异乡客和农村人的态度。王小帅拍摄这部电影全都来源于他的个人经历，那个农民小伙遭遇的问题有他身上的所以，那小帅城市小伙也有他身上另一处缩影，两个人，出身不同，为何会有如此不平等遭遇？这片充分展露地方人潜意识中所埋下排斥感和不平等地位。这是老祖宗烙下来的毛病，而我们却在不知不觉中展露出来，并且发扬光大。农村小伙来趟大城市真不容易，找人不容易，处事不容易，办事更不容易。导演没有交代他找工作的经历，就从“土里土气”的影片开头就可以看到这点，他们的“土”带有浓重中国乡土味气息，和“大城市”的“城市”味道相背离。他的诚恳和踏实反映在工作上，他的“老实巴交”反映在与他人谈话上。说实在，对于这样一个农村小伙来说，工作和女人是他想的事情，只要有个铁饭碗，能为家里挣点钱，然后娶个媳妇儿回家过日子，这就是他们最幸福最有理想的生活。工作有了，单车也有了，媳妇儿还没，不过可以偷看，瞧瞧那眼睛直的，瞧瞧那老实样子，真是凝聚农村这块所有特有和气质的化身，并且还有那倔脾气，嘿！你还真说，这小子就是个代表。随之单车丢了，镜头转向一个生活在胡同里的小伙子，是他用了他老爸的几百元钱在二手市场上买了这辆“被盗自行车”（影片也没说是不是那辆，反正那倔小子就认定是）。这小伙子也很单纯，处在青春期的他只想完成自己的梦想，那就是能和哥们几个一起玩自行车，谈谈青春期恋曲什么的。然而，生活的残酷和困苦又是另一番天地，在家中受气的他一直都没得到父母的关爱，他用和哥们闲暇玩乐的时间打发这些苦恼，唯独是在他们中他有地位，有友情，把烦恼统统抛在脑后。再来点甜蜜的爱情，那可真是人间仙境，大家眼中崇拜的人物，竖起大拇指参赞的人物。这份虚荣心，在那段青涩日子中是最幸福的，也是最难忘的。两个不把干的人搅合在一起，用这辆单车来联系，这里可以看出导演技巧所在。而后面故事的发展，也是用单车作为桥梁，在你骑他抢之间展开故事内容，随着其他人物陆续参入，改变两人之间关系也随之变化，由瓜葛到好伙伴，这一切切都在慢慢改变。或许，这部电影就应该在这里打住，留下给我们美好的回忆，给这段艰苦的岁月画上灿烂一笔。只可惜，社会就是这么现实，后面发生的惨剧还是把这个话题抬了上来，弱者的无助和无奈在片中大有展露之地。比如：在农村小伙算账的时候，明明他自己算清了，反倒在那里就差个70元钱，不就是摊点小便宜，收了70元钱，你不明天一趟这片就撇清了吗？反倒对于他来说，一分分钱都是不易，特别是对于农村人来说，那是他们用血汗赚来的。看到先前他自己写第一个“正”字的一话时候，来回多次的涂抹也袒露出他工作不容易。还有在进澡堂那段，完全是农村人不懂事，不上道，一个“张先生”就稀里糊涂弄了一次澡，出来对质时，店员态度、老板语气、门卫拦下，都是正常举动，发生在这里，总觉得不是个滋味。随后单车被偷，更是给倒霉的他增添一些悲剧色彩。随后遭遇都反映出城里人对农村人的一种藐视和态度。这些看似生活常态，但寸里行间都看出他们的不公和可怜态势，他们没有为自己伸张权利的能力，他们只有继续工作糊口养家。其实，这里有人就问了，他干嘛执着于那辆自行车呢？这里我自己有些感触。这辆自行车是他第一份工作所换来的物品，就像我们过生日得到礼物那样兴奋。但对他而言，这可能是第一份礼物。我们在过生日时候，常常对第一份礼物尤为重视，把很多东西都寄托在这上面。特别是他，他会把某种特别感情融入自行车中。他寄托着工作，也寄托着希望。因为有了这辆车，他才能工作，才能有钱赚，才能混饭吃，才能继续生活。没了这辆车，也就少了生活的动力，不仅仅是工作失去，连人生目标都失去了。这也就理解为什么发现车后他又找回了原先动力，为什么在寻找时候还会偷辆非常相似的单车，这仅仅是他求碗饭吃，过日子糊口的唯一希望。对于他来说，找其他工作可以，却少了骑在单车上拉风的感觉，少了这段成长岁月的滋味，而且他还要面对更加严峻的找工作旅程，说不定还找不到这样的工作，对于这个手无寸铁，也无什么亲人的他来说，唯有找到才是最大的目的，他把所有希望都寄托在这辆单车上。单车对他来说是工作和生存希望，有了这个他就可以继续干下去，然后娶个类似周迅饰演那个保姆一样的女人回家过日子，很简单也很幸福的梦想。他为了这个梦想也复出了很多代价，包括他被人殴打好几次，随后签订“合作协议”等等。他一直都处于弱势，他受到的不公并没有在社会中引起多少注意，他还是和以前一样工作生活，渐渐潜入北京人海的自行车中。片中插入失恋这一环节只是给最后的悲剧性色彩增加一些驱动作用，随之的挨砖头则成了悲剧的最大导火索。在两拨人马汇聚在一个死胡同那刻，惨剧也就随之成立。在两人受惊屈辱挨打后，自行车的变形则成了影片最为惨痛的象征品。这是男孩在北京打工这段日子的心血，在几分钟的时间里，就变成这个样子。自行车能修好，但人心却始终不会符合，这样的伤痛会伴随他一辈子，直至死去。片子结尾的蒙太奇效果使用非常出色，配上哀悼音乐，仿佛他的失落和绝望在此刻展现，随着伴随这变化和成熟也在他哀思的面容里看到一丁点，随后消失的定格也给人沉痛思考。有人说，中国人太容易被感动，泪点太低，特别容易被煽动，这样事件还有很多，大大小小地方都有，已是“中国特色社会现象”。确实，人心麻木已成定局，我们不是不想帮，而是帮不起，外加众多错综复杂条件和能力限制，很多人都是有心无力使不上劲。我们必须要坦然面对这些现实，用多种方式唤醒沉睡已久的热心，不然，人心已死，社会已亡，我们苟延残喘生活也是毫无价值。社会的冰冷不止在于环境，还在于人心。本回答由提问者推荐
可以从电影的分镜头中的角度，光源的关系来分析电影的人物之间的关系发展，还有故事情节等在整部电影中的快慢节奏，还有结合电影当时的故事发生背景去分析电影镜头的处理等等，顺便也可以去网上搜搜看看别人的评论嘛·不要一味自己闭门造车，那样的话关注点会变的很狭隘的。本回答由提问者推荐建议你写纪录片的镜头分析。比较有特色，切口也较小。相关书籍给你推荐《纪录片创作论纲》钟大年著。 如果是其他电影类型。还有一本书也可以参考《认识电影》路易斯·贾内梯。 个人建议希望对你有所帮助
从发展来看，中国电影事业比西方电影事业起步要晚几十年。西方电影尤其是美国电影常常有一些不经意的幽默，不是刻意去营造的而是往往在不经意间一个细节让你忍俊不禁。相比较而言，中国香港电影界的奇迹“无厘头”电影可谓从头到尾让人乐翻天，这不仅仅体现在情节设计上，在人物形象和塑造上，环境的布置以及音乐配置上都是做足功夫的。以我个人的浅薄认识，美国电影是“幽默”，香港电影里有的只是“滑稽”、“搞笑”而已，我无法评断孰优孰劣。电影只是文化的一个缩影，不同风格必然有其文化大背景。另外从影片的题材上来看，西方电影的艺术片、西部片、歌舞片和动画片也是别具一格，常常让人感慨：啊！原来电影还可以这样！而中国电影在发展中也形成了自己含蓄内敛的韵味与风格，在国际电影界的地位逐步上升，这不能不说是中国文化在世界文化中的地位上升。通过音乐与电影的比较，中西方文化的特点差异在我们脑海中都有了一个大概的印象，接下来，我们又探讨了中西方文化的具体典型及其深层原因。在做这一部分内容时，我们查阅了相关书籍并充分利用了网络资源。一 内陆型文化和海洋型文化 ：中华民族文明起源于黄河流域，三面连陆一面靠海的地理环境使中国几乎处于与世隔绝的状态，从而使自身文化保持很强的稳定性和历史延续性。这种独特的自然环境造就了中华民族独有的文化传统和社会心理。诞生于半封闭大陆自然环境的儒家伦理，教诲人们重土轻迁，安贫乐道，日出而作，日落而息，使人们在久远的传统中沉淀了一种封闭的惰性心理和惯性思维方法，保守，缺乏开放的意识；眷恋家园故土，提倡清静无为；安于现状，墨守成规，因循守旧，风险意识和竞争精神不强，时间观念和进取意识淡漠。所谓的“山性使人塞，追问
那格式？
本片由意大利国宝级导演罗伯特贝尼尼自编自导自演，讲述了一个关于亲情和爱情的故事，情节跌宕起伏，感人肺腑。该片曾获得嘎纳电影节评委会大奖和奥斯卡最佳外语片奖等多部大奖。为什么要选这部电影作为论文的对象呢？因为我曾经，甚至现在都被深深感动着。上了一学期的《电影艺术概论》，我就想试着从专业角度分析下这部影片。影片一开始，乐观开朗的犹太青年圭多和朋友驾车来到城里，从一开始就营造出幽默的气息，镜头采用不同视距表现了开车失控的情景，用一个连续的近景记录了基度和他的朋友从轻松悠闲的状态到惊慌失措的状态的改变。又用了一个晃动的镜头从景物上表现出情形的混乱。结合使用些长镜头，表现了失控的汽车。可以说一开始的画面就是一个很精彩的铺叙。在基度与美丽的女教师多拉的偶遇的段落中，基督与一个小女孩在交谈着，突然有一个声音想起，特写基度抬头向斜上方看了下，然后慌张的要往前冲，镜头马上切到小女孩，小女孩也往斜上方看。声音在这次剪辑中起了连贯作用，然后镜头自然拍了个全景，女主角正从二楼掉下来，基度在下面伸手接，小女孩抬着头看着。这是一个很连贯的剪辑。画面中的女老师往下跳，鸽子从窗子里飞出来，画面中间的小女孩紧张的移动了下，画面最近的一只马晃了晃头，表现出一种立体的感觉，使得这个画面看起来更加饱满，富有动感。在多拉的一个“订婚晚宴”上，声音的运用在这段情景的配合上恰到好处。基度看到多拉时，背景放着轻松，跳跃的音乐，表现出基度欣喜的状态。在多拉与别人交谈时，音乐一度停止，当侍者送上一个蛋糕时，背景音乐再次想起，夹杂着鼓声，锣声，表达出多拉心中的惊讶和高兴。然后再次转变为轻快的音乐，或许表现出多拉存在着某种的期待。当多拉青梅竹马的男朋友宣布他们要结婚时，有点哀伤的音乐响起，可以想象这时多拉是多么的不愿意。在晚宴进行中，音乐又从哀伤转向轻快，可想应该有让人快乐的事情发生了，果然，基度骑着白马，接走了多拉，此时的音乐愈加幽默，轻快，跳跃。音乐在这部影片中的配合是完美的，很好的表现出主任翁的心情，情景交融。难怪这部电影获得了1999 奥斯卡最佳音乐-剧情片原作配乐奖。多拉一袭粉色长裙，骑着被涂的花里胡哨的马跟基度来到住处，再走进旁边的花房，基度跟着走了进去……镜头没有变化，从画面中出来的并不是多拉与基督。而是伴着“祖舒华”的叫唤声，一个孩子牵着小坦克欢快的跑出来。这是一次聪明的蒙太奇，也是最后赢得坦克游戏让人唏嘘的伏笔。虽然剧情跳过了五年左右，但是人们都知道，基度和多拉结婚了，还生了个叫祖舒华的孩子，他们过着和谐快乐的生活。故事的前半部分一直充满着喜剧的色彩，当影片下部开始时，基度被市政府的人带走。这时的音乐由轻快变哀伤。预示着悲剧慢慢的到来。祖舒华的外婆来书店看他，这一段画面的剪辑中，颜色起到了连接的作用。从书店里装修的绿色，突然切到啊店门的绿色，此时基度正在关门，镜头一切，又跳到了两幅绿色的壁画。祖舒华和妈妈正从楼梯上下来。镜头一直跟着他们走，画面又从一束红花的绿叶和旁边的绿色沙发上，跳到房子外绿油油的花丛，多拉接了他妈妈坐着马车来。当看到屋里的狼籍时，画面又从多拉绿色的背景画面，切换到一片绿色树林的小道上，一辆暗绿色的车正在行驶。镜头又从车外，切换到车类，车类的背景还是绿色的帐篷，车内祖舒华和爸爸在谈论车要开往何处。再切一个画面，多拉正坐着车赶往某地，一个特写画面表现出多拉的焦急，而车后窗的背景还是绿色的树林，而接下来的好几个镜头也用绿色连接着，绿色的树叶，穿绿色制服的士兵，灯光的配合下绿色的阴影等等。这一连串绿色的连接，很好的起到过度作用，虽然拍摄的空间一直在变，一直在跳动，但是有了绿色的过度，看起来却很顺畅，很连贯。在纳粹营里，基度和工友在搬钢铁，为了表现被抓来的人多，也为了表现画面的立体感，画面出现好几队列的搬运人群，虽然是并排的，但是交错的行走，表现出一个多维的空间。这段里，画面的切换剪辑是以灰色为主色调。让一个阳光的小孩子身处在一个灰暗的环境中，形成强烈的反差。更表现出下半部影片的悲。影片到了最后，基度因为要去找多拉，被纳粹德军抓到了小巷里。画面中响起了几声的枪声。虽然没有见到人，当枪声告诉我们，基度被枪毙了。这也是一种蒙太奇的表现手法。画面定格在了基度进去的那个小巷，在灯光，音乐的配合下，虽然眼前空无一人，看着这画面却忍不住想流泪。纳粹人跑了，祖舒华从铁箱子里出来，一个小小的孩子站在狼籍的广场上，配合冷色调，这是何等的凄凉，这时候有坦克的声音从祖舒华身后传来，祖舒华慢慢转过身子，画面切到祖舒华眼前的景象，这是一个充满阳光的画面，象征着希望，前后两个画面形成强烈的对比和视觉冲击，一辆坦克从画面里慢慢开出，呼应了前面埋下的伏笔。轻松的音乐再次响起，祖舒华和妈妈相聚了。这是一部喜剧？还是一部悲剧？一个让人感动的电影，感动于爱情，亲情的伟大，从来不知道美丽的定义是什么。可能是指外表，可能是内心，也可能只是一种细微难言的感觉。 我想，也许不管是我们中的哪个人，不管是多么年长或者年幼，都不可以十分肯定十分自信地说自己完全清楚什么是美，什么是丑。有时候我想，亲情之爱，总是最平和的，不会太激烈太极端，但却又是最本真的一种淡然的美好。 亲情，真的可以让人放弃幸福放弃前途放弃生命去拯救自己的至爱。只是因为那浓于水的红色的沸腾。 总是崇敬爱情的热烈，感动于他人轰轰烈烈抑或是简单幸福的爱情故事，却一直都忽略了，那些离自己最近的，最本真的亲情。 亲情总是淡定而安静的，以一种平凡的姿态来拯救一个人的心灵，使人的心更纯净更柔软，更懂得感恩，懂得付出和接受爱。这确实是一部很棒的电影，无论从剧本，还是拍摄手法，亦或是灯光，音乐的配合。因为学习有限，无法在拍摄手法上阐述我更多的观点，但这门课的学习，让我对电影的拍摄制作充满了兴趣，我会不断的去了解，去掌握。只因为我喜欢电影这门艺术。无论你身处多么困难的环境，别忘了你的笑！
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